Gwendolyn Kerber (USA) hat im kunstraum t27 ihre erste europäische Ausstellung und zeigt großformatige, abstrakte Gemälde, die von Natureindrücken inspiriert sind. In den farbrauschartigen Malereien lassen sich florale Strukturen und landschaftliche Andeutungen erkennen, ohne dass diese jedoch im Vordergrund des malerischen Prozesses gestanden hätten. Mehr intuitiv fühlt sich der Betrachter von den Bildern in ein wie verzaubert wirkendes Gartenreich entführen.

Die in Israel gebürtige, in Berlin lebende Malerin Juanu Fiddler präsentiert ebenfalls großformatige Gemälde, die jedoch den städtischen Raum thematisieren. Der Großstadtverkehr; vor Allem Autos und Flugzeuge werden in stark farbigen, stark bewegten Momentaufnahmen festgehalten. Aspekte von Geschwindigkeit, Bewegung und urbanem Leben prägen die Arbeiten der Israelin mit britischem Pass.

Hamid Hadinejad beschäftigt sich in seinen monumentalen Wandzeichnungen mit den Themen Körper und Kleidungen. Zum einen präsentiert er Handmetamorphosen – auseinander herauswachsende Körperteile, die wie in beständiger Bewegung mutierende Gebilde erscheinen. Ein Nebeneinander verschiedener Gesten und Posen, die eine Art Rankengeflecht aus Fingern und Daumen bildet. Ähnlich unheimlich erscheinen die Figurinen, die Hamid Hadinejad mit feinen Konturlinien entwirft. Hier ist das verbindende Element die Kleidung, die deutlich von Modezeichnungen verschiedener Epochen inspiriert ist.

Edeltraud Schmölders beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit dem Thema Kleidung. Diese wird als leere Hülle aufgefasst, sie kommt ohne den menschlichen Körper aus. Durch die Verwendung von Metallblechen, die nach traditionellen Schnitten und mit Draht „genäht“ werden, kommt es zu einer Irritation des Betrachters. Die voluminösen, als Skulptur aufgefassten Objekte entwickeln ein beeindruckendes Eigenleben. Das spröde, kalte Material erscheint nicht als Schutz, sondern durchaus als Bedrohung.

Johanna Smiatek präsentiert eine Installation mit Silikonabgüssen eleganter Damenschuhe. Durch einen elektrischen Antrieb werden die virtuos gefertigten Nachbildungen in Vibration versetzt. Das Schuhwerk scheint ein subtiles Eigenleben zu entwickeln. Zugleich wird durch das so inszenierte Zittern der Pumps auch die Position der Frau in der Gesellschaft thematisiert.

Egon Rathke reflektiert in seinen fotorealistischen Selbstporträts die Frage der Geschlechteridentität. Der Maler zeigt sich selbst in Frauenkleidung – im „Drag“. Im Stile der Neuen Sachlichkeit – Anleihen an Porträts von Otto Dix sind unverkennbar – entstehen Studien der eigenen Persönlichkeit, die sich vor allem im Medium der Kleidung ausleben bzw. publik machen lassen.

Franziska Vollborn beschäftigt sich mit dem weiblichen Körper; speziell mit Geschlechtsorganen. Eierstöcke, Brüste und Schamlippen werden in gehäkelten Objekten nachgebildet. Die zutiefst weibliche Handarbeitstechnik des Häkelns ist mit einem konservativen Frauenbild verbunden, das seit Neuestem etwa durch das „Evaprinzip“ wieder propagiert wird. Durch die Anwendung dieser traditionellen Beschäftigung der (Haus)Frau auf sexuelle Themen, kommt es zu einem durchaus ironischen Bruch der Wahrnehmung.

Fernando Ponzetta zeigt Nachtaufnahmen. Er thematisiert einen unbelebten Stadtraum, der durch die bewusst einkalkulierte Unschärfe (lange Belichtungszeit ohne Stativ) ein Bewegungsmoment zugewiesen bekommt. Auch die Komposition der teils handkolorierten Abzüge variiert zwischen statischen und dynamisierten Motiven.

Marc van der Kemp zeigt abstrakte Gemälde mit klar begrenzten Farbflächen. Die quadratischen Malflächen werden durch starkfarbige Balken gegliedert. Statische Ruhe oder aber dynamische Bewegung werden je nach Farbwahl und Komposition evoziert.

Der in Berlin gebürtige Carsten Kaufhold stellt seine Stadt in akribischen Detailansichten dar. Dabei sind es in dieser Ausstellung Stadträume in nächtlicher Beleuchtung. Thematisiert wird eine Stadt ohne Menschen – die Akteure sind dagegen die verdichtete, urbane Architektur und vor allem das Licht in der unbelebten Nacht. Die atmosphärischen Stimmungen sind es, die den Maler in dieser Werkserie besonders interessieren. Auf feuchtem Asphalt spiegeln fahle Blau- und Grüntöne; aus Fenstern scheinendes warmes Licht kontrastiert mit der kalten Beleuchtung der Straßenlaternen. Die Szenerie leuchtet in einem unwirtlichen, überrealen Licht. Zuweilen wirkt die Malerei Carsten Kaufholds wie ein filmstill; ein Tatort. Von den Werken geht eine ungeheure Spannung aus, die sich unwillkürlich auf den Betrachter überträgt.

Lars Maurmaier ist Wahlberliner. Im Jahr 2000 aus Heidenheim in die Großstadt gekommen, hat er sich den Blick von Außen auf die Besonderheiten Berlins bewahrt. In seiner Berlin-Serie versammelt er in kleinformatigen Pastell- und Ölkreidezeichnungen piktogrammähnliche Ansichten der offiziellen und persönlichen Highlights. Bewusst nicht vor Ort entstanden, sind seine Arbeiten frei von dem Anspruch einer exakten Abbildung. Motive wie die Goldelse, das Brandenburger Tor, der Bierpinsel oder auch das Karstadt am Hermannplatz entstehen aus der Erinnerung und versammeln so die markantesten Elemente der architektonischen Struktur und der städtebaulichen Situation.

Noël O’Callaghan (Installation),

Carsten Kaufhold (Malerei) und

Fernando Ponzetta (Fotografie) erweisen künstlerischen und kunsthistorischen Ikonen ihre Referenz. Trotz der teils engen Anlehnung an vorformulierte ästhetische oder konzeptionelle Vorbilder entstehen gleichwohl eigenständige Neuinterpretationen im Sinne einer innovativen künstlerischen Aussage.

Die Malerin Friederike Kirchner lässt sich in ihren Gemälden häufig von mythischen Stoffen inspirieren. Auch formal sind die von ihr gemalten Protagonisten antiken und mittelalterlichen Vorbildern verpflichtet. Die skulptural wirkenden Gestalten werden jedoch von Fantasiewesen und üppigen Pflanzen überlagert und gewinnen so eine eigenständige künstlerische Position.

Lars Maurmaier setzt die ihn umgebenden Alltagsgegenstände in piktogrammähnliche Gestaltungen um, die trotz ihrer Reduktion viel von der vom Objekt ausgehenden Stimmung transportieren.

Franziska Vollborn beschäftigt sich in ihren gehäkelten Handarbeiten mit der Nachformung menschlicher (speziell weiblicher) Organe und weist mit dieser Mimikry auf die Diskrepanz zwischen Weiblichkeit und Tabu hin.

Jörg Lange schickt seine Herde künstlicher Schafe (die Follies Bergeres) auf die Weide des kunstraums t27.

Juanu Fiddler verarbeitet in ihren Siebdrucken Postwertzeichen. Inspiriert von einer Postkarte aus dem 1. Weltkrieg entstand eine Briefmarkenserie, die die Frage nach dem Preis der Freiheit stellt.

Der japanische Musiker und Künstler Norihiro Misaki beschäftigt sich eher konzeptionell mit dem Thema Imitation. Auf der Suche nach dem Ursprung der Imitation sollen seine bildlichen Umsetzungen die Frage prüfen: Wie sieht die Nachahmung des Nichts aus? Eine musikalische Installation des Künstlers imitiert zudem die Geräusche der Galerie; aufgenommen auf der vorangegangenen Finissage. Die Alltagsgeräusche werden jedoch überführt in eine eigenständige künstlerische Form.

AKA (Berlin/Istambul) verarbeitet in ihren großformatigen Gemälden digitale Fototechniken. Wie stark gerasterte Computerbilder erscheinen die Ölgemälde. Beherrschendes Thema sind militärische Objekte; ein Tornado-Kampfjet oder ein Scharfschütze. Durch die digitale Verfremdung entstehen reizvolle, dynamische Gestaltungen, die den Schrecken der Waffen weitgehend negieren. Zudem wird dem Soldaten seine Identität genommen, die Entfremdung der modernen Kriegsführung ist in den monumentalen Gemälden adäquat thematisiert.

Helmut Fischer präsentiert manipulierte Fotopositive, die durch eine malerische Behandlung verfremdet werden. In einem Werkblock wurden die auf den Abzügen zu sehenden Personen durch minutiöse Auskrazugen gelöscht. Andere Fotos wurden durch Hitze und Übermalungen derart verfremdet, dass ungemein malerische Effekte entstehen.

Antje Gerhardt nutzt für ihre zwölfteilige Werkgruppe "Blaue Idyllen" Fotografien aus Reisekatalogen, die sie in annähernd fotorealistischer Manier imitiert. Die Traumbilder einer scheinbar idealen Ferienwelt erhalten in der Zusammenschau jedoch keineswegs eine anmutige Stimmung sondern offenbaren den stereotypen Charakter des Massentourismus.

Carsten Thorwald arbeitet in seinen intimen Collagen mit Vorlagen aus Hochglanzillustrierten. Die aus der Werbung und Modefotografie stammenden Vorlagen werden von Thorwald aus dem ursprünglichen Kontext gelöst und erhalten ein überraschendes Eigenleben. In einer Weitermalung der Vorlagen entstehen surreal anmutende Szenerien und amorphe Wesen, die die oberflächliche Schönheit in eine abgründige neue Realität überführen. Aus der Imitation entsteht eine teils beängstigende, teils augenzwinkernde neue Sicht auf die Dinge dieser Welt.

Esther Horn konfrontiert in ihren gemalten Nachtstücken Natur und konstruierten menschlichen Lebensraum. Strahlend helle Tankstellen durchleuchten wie gigantische Lichtinstallationen die Nacht. Sie dominieren die umgebende nächtliche Landschaft und wirken zugleich anziehend und bedrohlich. Als faszinierende Fremdkörper fressen sich die Lichter in die nächtliche Landschaft. Im Gegenzug dringt jedoch auch die Natur in die sterilen Lichtinseln des technischen Fortschritts: Hunde, Wölfe, Menschen erscheinen im gleißenden Licht wie archaische Wesen, die die Spannung der Szenerie auf den Punkt bringen.

Christoph Beer thematisiert in seinen Arbeiten die exzessive Partysubkultur . Seine häufig ekstatisch aufgeladenen Protagonisten erscheinen dabei wie Leuchtkörper in nächtlichem Ambiente. Die Menschen bei Christoph Beer wirken dabei isoliert, auf sich selbst zurück geworfen. Sie haben die Normen des Alltags für einen Moment weit hinter sich gelassen – teilweise schweben sie in ihrem eigenen abgeschlossenen Kosmos. Durch die fiebrige Körperlosigkeit der starkfarbigen Kompositionen und Darstellungen ist zugleich eine Beschreibung von gesellschaftlichen Prozessen zu konstatieren.

dougfender präsentiert im Keller des Kunstraumes die Bild-Sound-Installation "Footfall - Will you never have done revolving it all". Der irische Künstler konfrontiert den Besucher, in dieser vom Titel eines Theaterstücks von Samuel Beckett inspirierten Arbeit, mit den Geräuschen und Lichtern der Großstadt. Langzeitbelichtungen von nächtlichen Straßen stoßen auf ungewohnte Geräuschkulissen und Ansichten.

Noël O’Callaghan zeigt erstmals eine Werkserie, in der sie mit Blut auf Papier arbeitet. Dabei entstehen eindringliche Gestaltungen, die individuell, politisch und gesellschaftlich ausgedeutet werden können. Neben der Verarbeitung etwa von Folterbildern aus Abu Ghraib werden auch zwischenmenschliche Situationen mit dem ungewöhnlichen Malmittel aufs Papier gebannt. Blut, der ganz besondre Saft, erweist sich dabei als höchst eindrucksvoller Ausdrucksträger, der den Motiven eine zusätzliche, intensive Bedeutung zumisst.

Nicolai Huch beschickt den kunstraum t27 mit großformatigen Gemälden. Seine zwischen Realismus und Imagination angesiedelten Arbeiten scheinen einem Traumreich zu entstammen. In seinen teils ruhigen, teils dramatischen Ambienten lauert ein hintergründiges Grauen. Verhängnisvolle Situationen deuten sich an, ohne dass Ursache und Ausgang der Handlung erkennbar würden. Der Betrachter ist konfrontiert mit einer unerklärlichen Beunruhigung, die sich seiner unwillkürlich bemächtigt.

Regina Neuwald zeigt Assemblagen, die das unbewusste, ja unkontrollierbare Handeln von Menschen thematisieren. Abgüsse der eigenen Hand entwickeln ein drängendes Eigenleben. Losgelöst von der wachen Ratio mutieren sie zu bedrohlichen Wesen, die das tun, was man im Alltag zu vermeiden sucht. Sie fügen Schmerz zu, verfallen in tierische Urzustände, sind reiner Ausdruck des freudianischen „Es“. Ergänzt werden die Objekte durch intensive Gedichte der Künstlerin, die ihren Werken damit eine zweite, erläuternde Dimension zuteilt.

Christian Andres(Hamburg/Berlin) zeigt seine monumentale Raum-im-Raum-Installation „Kollegenclub“. Die Hommage an bedeutende Künstler wie El Greco, Picasso oder Corinth besticht vor allem durch die ausgefeilte Technik der Präsentation. Der Betrachter erhält einen mehrdimensionalen Blick auf die Maloberfläche, die in verschiedener Hinsicht erst durch Licht gestaltet wird

Die aus Litauen stammende Künstlerin Almyra Weigel arbeitet vorrangig mit Textilien. Ihre im kunstraum t27 ausgestellten Gewebe bestehen allerdings aus leuchtendem Klebstoff. Die starkfarbigen Gewänder wirken archaisch und bedrohlich, gerade weil sie die Leere des dunklen Raumes umhüllen und dominieren.

Bertram Weise arbeitet seit Jahren intensiv mit dem Medium des Scherenschnitts. Hier treffen Schwarz und Weiß, Licht und Schatten, Positiv und Negativ hart aufeinander. Gezeigt werden Masken und Lichtgeister in ungewohnter Präsentation.

Susann Kramer zeigt Fotografien von Menschen in ihrer Alltagsumgebung. Sie werden adbei zusätzlich konfrontiert mit einem Schild, auf dem "Frühling" steht. Die bei noch frostigen Temperaturen aufgenommenen Großstadtporträts zeigen nicht nur die Vielfalt des Berliner Milieus auf sondern versprühen eine große Portion Vorfreude auf die wärmere Jahreszeit.

Peter Grosshauser präsentiert Objekte und Installationen, die aus Gegenständen gefertigt sind, die uns täglich umgeben. Durch die zielgerichtete Herauslösung aus dem ursprünglichen Kontext entstehen so wirkungsmächtige Arbeiten, die zur Meditation, zur Kontemplation anregen. Daneben zeigt Grosshauser Videoarbeiten und kinetische Skulpturen.

Helmut Fischer zeigt fotografische Aufnahmen, die neben dem Apfel – als der traditionellen Frucht vom Baum der Erkenntnis – auch anderes Obst und Gemüse thematisieren. Der Fotograf verfolgt dabei den Verfallsprozess und die schrittweise Auflösung seiner Objekte im Sinne eines „memento mori“. Durch eine technisch ausgeklügelte Manipulation des Entwicklungsprozesses sind die stark verfremdeten Abzüge keineswegs gefällige dokumentarische Darstellungen der Realität. Sie enthalten einen hohen künstlerischen Reiz, der die Verlockung und den Verfall angemessen zum Ausdruck bringt.

Der Maler Ulrich Rasstetter beschäftigt sich in seinen farbintensiven Arbeiten ebenfalls mit den Folgen der Vertreibung aus dem Paradies. Die teils großformatigen Arbeiten bestechen durch ein stark differenziertes Kompositionsgeflecht aus Farbflächen und Zeichnung. Allein die hohe zeichnerische und malerische Qualität der Gemälde gewährleistet eine ästhetische Befriedigung. Doch hinter den auf den ersten Blick abstrakt wirkenden Kompositionen verbergen sich zusätzlich menschliche Gestalten, die allerdings erst auf den dritten oder vierten Blick zu Tage treten. Konfrontiert mit den Arbeiten Rasstetters durchläuft der Betrachter einen „Erkenntnisprozess“, um das hintergründige Sujet der Arbeiten zu entschlüsseln.

Die Bildhauerin Alexandra Karrasch lebt und arbeitet nach längeren Aufenthalten in Irland und Großbritannien in Berlin. In ihrem Neuköllner Atelier entstehen Objekte, die wesentlich von der Substanz und Struktur der verwendeten Materialien bestimmt sind: Eierschalen, Draht und Kohlepapier. Die aus im Grunde profanen Rohstoffen bestehenden Objekte und Skulpturen bestechen durch ihre delikate Struktur und Oberfläche.

Der Maler Wolfgang Nick lebt und arbeitet seit 2003 in Berlin. Seine Gemälde sind geprägt von einem romantischen Zugriff. Bei den zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit changierenden Arbeiten fällt die virtuose Gestaltung der Oberflächen auf. Seine Sujets sind surreal anmutende Landschaften, Pflanzen- und Personendarstellungen, die unterschwellige Assoziationen provozieren.